Un mese dopo il successo di Castel Grumello, il ritratto di un giovane autore in continua evoluzione. Dalle collaborazioni artistiche di «Okay, Ciao» alle suggestioni esistenziali di «Rulbiadore»: il percorso di un giovane regista che sa raccontare i silenzi, le inquietudini e i contrasti dell’animo umano
La carriera del regista sondriese Danilo Proh affonda le proprie radici in un percorso iniziale particolarmente promettente. Il suo debutto ha rivelato fin da subito una sensibilità rara e una determinazione che lasciano intravedere le qualità di un autore autentico: un talento raffinato e cristallino, capace di attirare l’attenzione anche al di fuori del proprio contesto territoriale.
Il primo tassello di questo percorso è il thriller psicologico Bloody Date, che ha ottenuto cinque vittorie e tre candidature nei circuiti festivalieri internazionali. Tra i riconoscimenti più significativi figurano il premio Best Film Noir Short all’Indie Short Fest, l’Honorable Mention come Best Mystery Short agli Independent Shorts Awards, entrambi festival con sede a Los Angeles, e il premio come Miglior Giovane al Reale Film Festival.
Il cortometraggio si affida alle interpretazioni di Davide Barzaghi, nel ruolo di Dean, e soprattutto di Luca Libera, che veste i panni di Javier. Proprio con quest’ultimo nasce un sodalizio artistico destinato a proseguire negli anni. Libera diventa infatti una presenza ricorrente nel cinema di Proh, un interprete capace di entrare in sintonia con il suo immaginario e di dare volto e intensità alle sue intuizioni narrative.
Ma il talento, nel cinema indipendente, deve spesso confrontarsi anche con la capacità di costruire collaborazioni e trovare le risorse necessarie per dare forma ai propri progetti. Danilo ha dimostrato di possedere anche questa sensibilità. Per il successivo Whiskey, Darling è riuscito infatti a ottenere una collaborazione di sponsorizzazione con Jack Daniel’s, un risultato significativo per una produzione indipendente e un segnale della sua capacità di aprire il proprio lavoro al dialogo con realtà internazionali.
In questa commedia nera, che affronta il tema delle dipendenze e delle disillusioni personali, il regista riunisce un cast variegato. Peter Stephen Wolmarans interpreta il tormentato protagonista Harry Spencer, affiancato da Davide Barzaghi nel ruolo di Mark e dall’immancabile Luca Libera, questa volta nei panni di Javier Wilson. Completano il cast Alessandro Bonaiti, nel ruolo di Doc John, e Manuela Mazzola, in quello di Susan Qualley.
Dal punto di vista stilistico, Whiskey, Darling rappresenta un’evoluzione interessante. Il film è caratterizzato da piani sequenza articolati e fluidi, che conferiscono continuità alla narrazione e rivelano una crescente attenzione alla costruzione delle immagini. Anche il Maggiolone, presenza ricorrente nel corso della storia, assume una funzione riconoscibile, diventando parte integrante dell’identità visiva del cortometraggio.
Nei dialoghi si ritrovano inoltre richiami al grande cinema americano, in particolare alle interpretazioni di Al Pacino, che sembrano emergere nella costruzione di alcuni personaggi e nelle loro sfumature caratteriali. Sul piano estetico e narrativo, invece, si possono cogliere suggestioni provenienti da À bout de souffle (Fino all’ultimo respiro) di Jean-Luc Godard. Il riferimento alla Nouvelle Vague non riguarda soltanto la fluidità del racconto, ma anche l’atmosfera bohémien, la libertà espressiva e il senso di inquietudine che accompagna i protagonisti. Anche l’alchimia tra gli interpreti richiama, per certi aspetti, quella coppia cinematografica formata da Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg.
Il film trova il suo momento più intenso nel finale, quando Harry si ritrova sotto una pioggia battente, in una scena che assume il valore simbolico di una resa dei conti con se stesso. L’acqua sembra accompagnare la fine di una fase della sua esistenza, mentre il protagonista prende finalmente coscienza della necessità di cambiare direzione e di inseguire il proprio sogno. È una conclusione che restituisce al racconto una dimensione esistenziale, trasformando la vicenda personale di Harry in una riflessione più ampia sulla possibilità di riappropriarsi del proprio destino.
Questo percorso ha preparato il terreno all’appuntamento di un mese fa a FAI – Castel Grumello, a Montagna in Valtellina. Una serata speciale, immersa nella suggestiva cornice delle montagne valtellinesi, dove la solennità delle antiche mura medievali dialogava con il paesaggio circostante, tra creste rocciose e vigneti terrazzati.
Prima di questa occasione, avevo avuto il piacere di inserire Rulbiadore in anteprima nella rassegna di cortometraggi che curo personalmente presso il polo culturale Matteo Quaglini. Un appuntamento che ha permesso di mettere a confronto sensibilità artistiche differenti, accomunate dalla volontà di esplorare le relazioni umane e il rapporto tra individuo e ambiente.
La serata ha ospitato tre opere di particolare interesse. Accanto a Rulbiadore, è stato presentato Gli eredi del fuoco di Boris Molinaro, un lavoro che affronta il tema del panismo, inteso come fusione profonda tra uomo e natura e come forma di rispetto nei confronti dell’ambiente. Il cortometraggio sviluppa anche una riflessione critica sugli abusi edilizi e sulle conseguenze che questi producono sul territorio, valorizzata dalla notevole interpretazione di Emanuel Pascale. A completare il trittico, Quello che non ti ho detto dei Fratelli Bulgarelli, un’opera che si inserisce nel dialogo sui legami umani e sulle tensioni generazionali.
La presenza dei registi e dei membri dei cast ha arricchito ulteriormente l’incontro, trasformando la proiezione in un’occasione di confronto diretto con il pubblico e di condivisione delle esperienze creative che hanno accompagnato la realizzazione dei film.
La proiezione di Rulbiadore a Castel Grumello ha confermato la particolare identità visiva dell’opera, interamente immersa nella straordinaria bellezza italiana. Girato tra le atmosfere senza tempo di Bagno Vignoni, in Toscana, e gli scorci marittimi della Liguria, il cortometraggio trova nei paesaggi del nostro Paese una cornice di rara suggestione. La scelta delle location non è soltanto una componente estetica, ma diventa parte integrante del racconto, accompagnando e riflettendo il tormento interiore del protagonista.
La storia racconta il momento di crisi esistenziale di un parroco, chiamato a confrontarsi con la propria vocazione e con le certezze che fino a quel momento avevano orientato la sua vita. Il suo è un viaggio prima di tutto interiore, un percorso che lo porta ad abbandonare progressivamente le convinzioni consolidate per cercare qualcosa di più autentico.
In Rulbiadore, il protagonista deve attraversare lo smarrimento prima di poter ritrovare se stesso. È proprio nella perdita dei punti di riferimento che si apre la possibilità di una nuova consapevolezza. Una riflessione che richiama, per alcuni aspetti, la tradizione letteraria di Gustave Flaubert e le inquietudini di Madame Bovary, dove il rapporto tra desiderio, insoddisfazione e ricerca di una vita diversa diventa il centro della vicenda umana.
Il cortometraggio si configura così come un invito a uscire dalla propria zona di comfort, ad abbandonare i percorsi già tracciati e ad avere il coraggio di cercare una strada personale. Un messaggio racchiuso nella frase conclusiva, che rappresenta il vero manifesto dell’opera: «Vivere è osare l’ignoto».
Nel cammino del protagonista si può riconoscere anche il richiamo all’eudaimonia della filosofia greca, intesa come piena realizzazione dell’individuo e fioritura delle proprie possibilità. Non una felicità superficiale, dunque, ma la ricerca di una dimensione autentica dell’esistenza, capace di restituire significato alle scelte e alle aspirazioni più profonde.
Sul piano visivo, il film evoca suggestioni riconducibili al cinema di Andrej Tarkovskij, soprattutto per il modo in cui il paesaggio diventa parte integrante della dimensione psicologica del racconto. Le immagini si prendono il proprio tempo, la natura accompagna il tormento del sacerdote e i silenzi assumono un valore narrativo preciso. È una scelta espressiva che richiede allo spettatore di soffermarsi, osservare e lasciarsi coinvolgere senza cercare necessariamente una spiegazione immediata di ogni passaggio.
La forza del cinema di Danilo risiede proprio nella sua capacità di muoversi tra registri differenti, mantenendo al centro l’indagine sull’animo umano e l’attenzione per le collaborazioni artistiche. Un aspetto che emerge in modo particolarmente evidente in Okay, Ciao, micrometraggio nato dalla sinergia con Lorenzo Sgobba, ideatore della pagina di divulgazione cinematografica Cinema a parte.
In appena due minuti, il film riesce a concentrare una riflessione sul sentimento amoroso e sulle contraddizioni che attraversano le relazioni. Al centro troviamo il conflitto tra il desiderio di appartenersi e la paura dell’abbandono, una dinamica universale che viene raccontata attraverso gesti, sguardi ed esitazioni.
A dare corpo a questa dimensione emotiva sono due interpreti particolarmente efficaci. Chiara Bassotti regala un’interpretazione magistrale, dotata di una grazia antica e di una delicatezza rara. La sua performance è costruita attraverso sfumature espressive, sguardi ed esitazioni, in un equilibrio interpretativo che restituisce con grande sensibilità tutta la fragilità del personaggio. Accanto a lei ritroviamo ancora Luca Libera, che risponde con una recitazione asciutta e naturale, restituendo con sensibilità quel bisogno di rassicurazione che spesso condiziona gli equilibri di una relazione.
La realizzazione di questo piccolo lavoro è stata anche l’occasione per condividere un’esperienza creativa con un gruppo di persone unite dalla stessa passione. Abbiamo lavorato insieme durante una splendida giornata di fine estate, in un clima di collaborazione e spontaneità. Oltre all’intesa artistica con Sgobba, ricordo soprattutto il piacere di aver partecipato a un progetto in cui ciascuno ha potuto mettere qualcosa di sé.
A legare parte della filmografia di Proh c’è anche un piccolo vezzo stilistico che rivela il suo amore per la storia del cinema. Proprio come faceva Alfred Hitchcock, Danilo ama comparire brevemente all’interno dei propri cortometraggi, attraverso piccoli cameo che diventano una sorta di firma personale. Un gioco complice con lo spettatore più attento, che aggiunge un elemento di continuità tra il regista e il suo universo narrativo.
Se nei primi lavori Danilo non ha mai nascosto la propria ammirazione per la scrittura di Quentin Tarantino, soprattutto per la costruzione dei dialoghi e l’attenzione ai personaggi, la sua evoluzione più recente lascia intravedere altre suggestioni. Si possono riconoscere alcune affinità con il cinema dei fratelli Safdie, per la tensione che attraversa le vicende e l’irrequietezza dei protagonisti, così come con le prime opere di Xavier Dolan, soprattutto per la sensibilità con cui vengono indagati i tormenti relazionali della giovinezza.
Sono riferimenti che non definiscono necessariamente uno stile già compiuto, ma aiutano a comprendere le coordinate culturali e cinematografiche entro cui si muove la ricerca di Proh. Il suo è un linguaggio che guarda alla cultura pop e alla tradizione del cinema contemporaneo, senza rinunciare a una dimensione introspettiva e personale.
La serata a Castel Grumello, accompagnata dalle note dal vivo del quartetto dell’Orchestra da Camera Valtellinese e dai vini di Arpepe, rimarrà sicuramente tra i momenti culturali più significativi di questo percorso. Un incontro tra cinema, musica e territorio che ha permesso di valorizzare non soltanto le opere presentate, ma anche il lavoro e la passione delle persone che le hanno realizzate.
L’augurio è possa coltivare questo talento raffinato, senza perdere quella spontaneità e quella curiosità che lo contraddistinguono. Le coordinate per andare lontano ci sono tutte.
